Résumé

« Aimer, souffrir, espérer, se souvenir, croire, fraterniser… La poésie nous dit la vérité. Elle touche au cœur de tout ce qui nous est essentiel. »

C’est ainsi que Xavier Darcos raconte l’histoire de la poésie française, en même temps qu’il définit le genre poétique. Chaque chapitre est consacré à une période dont il présente les courants, les auteurs et les œuvres. Des citations, des pistes de lecture et des définitions complètent cette introduction. Un index des auteurs, un index des notions et une bibliographie en facilitent l’accès.

Biographie auteur

Xavier DARCOS, membre de l’Institut (secrétaire perpétuel de l’Académie des sciences morales et politiques), est agrégé de lettres, docteur en études latines et docteur d’État ès lettres. Longtemps professeur de khâgne, puis inspecteur général et professeur associé de littérature comparée à la Sorbonne, ancien ministre, ambassadeur, il préside actuellement l’Institut français. Il est déjà l’auteur de nombreuses publications consacrées à la latinité et à l’histoire littéraire moderne, ainsi que d’essais sur l’École, la laïcité et la diplomatie culturelle.

La collection « Mes passions » accueille des personnalités qui, par leur notoriété et par leur légitimité, ont à cœur de partager leur sujet de prédilection avec le public.

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XAVIER DARCOS

La poésie
française

Groupe Eyrolles

61, bd Saint-Germain

75240 Paris Cedex 05

www.editions-eyrolles.com

En application de la loi du 11 mars 1957, il est interdit de reproduire intégralement ou partiellement le présent ouvrage, sur quelque support que ce soit, sans autorisation de l’éditeur ou du Centre français d’exploitation du droit de copie, 20, rue des Grands-Augustins, 75006 Paris.

© Groupe Eyrolles, 2013

ISBN : 978-2-212-55533-2

Pourquoi ce livre sur La poésie française ?

Bien qu’elle exige patience et travail, la poésie nous semble toujours découler, comme naturellement, de l’émotion vécue et du désir de la partager. Or, on ne peut pas s’en tenir à cette simple approche affective – sauf à rester silencieux et béat. Car un texte peut nous étonner ou nous émerveiller, au point d’entrer dans notre mémoire, mais on aimerait comprendre pourquoi et comment.

On croit à tort que le poète est simplement un inspiré, qui écrit au fil de la plume. Quand on examine les formes et les thèmes de la poésie, on se rend compte qu’elle obéit à des règles (notamment métriques et phoniques) mais aussi qu’elle retrouve des leitmotive éternels, qu’on peut identifier et classer. Ces sujets parlent tous de l’aventure humaine : aimer, souffrir, espérer, se souvenir, croire, fraterniser, etc. La poésie nous dit la vérité. Elle touche au cœur de tout ce qui nous est essentiel.

Il convient donc de montrer que la poésie est un genre qui a des règles et une histoire. Les poètes se connaissent, se citent, s’imitent. Ils rivalisent à travers le temps. Pour comprendre les grands auteurs du XVIe siècle, il faut avoir une idée de ce qu’il y eut avant eux, puisqu’ils s’en réclament. Pour saisir la force de notre siècle le plus fertile en poésie, le XIXe siècle, il faut y retrouver la trace de la Renaissance, du Moyen Âge, des Anciens… Pour analyser les ruptures modernes, il faut identifier les repoussoirs ou les récupérations. Bref, la poésie française est une grande famille pleine de connivences et de combats.

C’est pourquoi j’ai identifié les grands auteurs, les phares, les « classiques », ceux que tout le monde connaît peu ou prou et dont chacun pourrait citer quelques vers. Ils sont notre patrimoine. Nous nous y référons sans cesse, parfois sans y prêter attention. J’ai rappelé qui ils furent, et ce qu’ils nous ont légué. Des citations de vers célèbres et une bibliographie inviteront le lecteur à replonger par lui-même dans les beaux textes.

Ce livre s’adresse donc à l’amateur pressé qui veut retrouver un panorama rapide et complet de notre histoire littéraire. Mais il sera utile aussi aux étudiants qui ont besoin de comprendre les propriétés et la diversité d’une forme littéraire majeure. Enfin, il stimulera notre mémoire qui a toujours gardé le souvenir de quelque beau vers, pour donner envie de renouer avec nos meilleurs textes.

Xavier Darcos

Introduction

Un genre qui a son histoire

Jusqu’à la fin du XIXe siècle, le grand public (même si cette notion n’avait pas le même sens qu’aujourd’hui) se passionnait pour la poésie. Les grandes dates de l’histoire littéraire et des « best-sellers » étaient des recueils de poèmes, avant que le roman ne prenne le dessus et n’envahisse tout. Les meilleurs tirages actuels sont obtenus par des livres à usage scolaire (Baudelaire, Rimbaud, Apollinaire) ou par des auteurs qui ont intéressé la chanson (Prévert, Éluard). Pour la création actuelle, c’est dans des revues que la poésie trouve désormais refuge. Même des auteurs d’abord mal compris ou peu fréquentés ont fini par gagner un auditoire immense. La poésie française est un grand corps vivant qui évolue de façon continue et cohérente, avec des filiations et des révoltes. La plupart des théoriciens distinguent trois grands stades : a) la période classique où la poésie s’apparente à la rhétorique, à l’ornementation du discours ; b) la période romantique où la poésie se présente comme un langage supérieur qui permet d’atteindre ou de traduire ce que la prose rationnelle est inapte à exprimer ; c) la période moderne où le poète manipule les signes et joue sur le signifiant, le sens restant à déduire par le lecteur. Ces facettes ne sont pas si tranchées et elles se mêlent souvent. Revenons donc à une progression linéaire. On peut en repérer les grandes étapes que nous retraçons ici.

Au Moyen Âge, une éruption

Dès la fin du XIe siècle, le surgissement semble subit et massif. Tandis que les deux Églises d’Orient et d’Occident se séparent, que l’idéologie de la croisade mûrit, que saint Bruno fonde la Grande-Chartreuse (1085), on voit naître l’épopée (notamment La Chanson de Roland), transmise oralement et mémorisée grâce à ses formules stéréotypées. Puis, au XIIe siècle, la féodalité laisse la place à la courtoisie : c’est le temps des lais de Marie de France et des premiers troubadours, comme Guillaume d’Aquitaine et Jaufré Rudel. Les troubadours d’Occitanie chantent l’amour « loing » et les tourments courtois, tels le Limousin Bernard de Ventadour ou le Périgourdin Bertran de Born, avant que le pays d’oïl à son tour donne naissance aux « chansons de toile », aux « chansons de femme », aux pastourelles, puis aux premiers textes parodiques (sotties, fatrasies). C’est le Roman de la Rose (vers 1235), sorte d’art d’aimer moderne, qui marque l’apogée des thèmes poétiques médiévaux. Entretemps, la légende de Tristan et Iseult commence à être connue, se répandant dès le début du XIIIe siècle, annonçant la poésie...

Des origines à 1500

La chanson de geste

Dans l’imaginaire moderne, la poésie du Moyen Âge, c’est d’abord la chanson de geste. Le genre connut un développement considérable en trois siècles, du XIe au XIVe : quatre-vingts chansons de geste, dont les dimensions varient de 1 000 à 20 000 vers.

Comme son nom l’indique, il s’agit d’un poème chanté, qui relate des hauts faits (du latin gesta) du passé : les exploits guerriers de l’époque de Charlemagne (VIIIe siècle). La chanson de geste a donc une double fonction : entretenir un idéal chevaleresque (en s’appuyant sur un passé héroïque) et permettre à chaque copiste ou chanteur de compléter ou modifier le poème à sa guise, sur une trame assez souple. Ce genre naît au moment des croisades, pour entretenir l’esprit de reconquête (la « Reconquista ») et offrir des modèles de piété et de courage. Il est le véhicule des thèmes de la féodalité. Tout en donnant à rêver (d’Orient, d’aventures, etc.), l’épopée édifie donc une référence morale : autour d’un roi juste et fort, des héros dépassent l’individualisme et l’intérêt personnel pour servir une communauté dans la période où le pouvoir royal essaie, en France, de supprimer le morcellement féodal et d’imposer une autorité monarchique centralisée, notamment avec Louis VII et Philippe Auguste.

L’épopée est chantée en public, le texte contient des formules et un système de strophes, avec des répétitions, qui devaient aider la mémoire du conteur ou du « jongleur ». La strophe (nommée « laisse épique ») est une structure qui réunit des vers de même longueur, construits sur une même assonance ou sur une même rime. L’épopée utilise sans cesse la répétition, les retours en arrière ou les enchaînements bifurqués, obéissant au principe de la variation sur un thème. Dans les moments privilégiés (la mort de Roland, par exemple), le récit ne progresse plus : les laisses, similaires, semblent tourner en rond. Le chant peut ainsi s’épanouir et favoriser le lyrisme.

La Chanson de Roland est la plus achevée et, pourtant, la plus ancienne des chansons de geste françaises. Le manuscrit date de 1070, comporte 4 002 vers de dix syllabes (décasyllabes) divisés en 291 laisses. La langue utilisée est un dialecte anglo-normand. Le sujet principal est l’expédition des Français contre les Infidèles, c’est-à-dire les musulmans, installés en Espagne depuis le VIIe siècle. Sous l’impulsion de Charlemagne,...

Le XVIe siècle

L’initiateur Marot

Succédant aux grands rhétoriqueurs, les poètes du début du XVIe siècle, voulurent s’en démarquer. Renonçant aux complexités érudites, ils prétendent revenir au naturel, cherchant une complicité avec le lecteur, notamment dans des « épîtres » ou « épigrammes ». La virtuosité ne disparaît pas, mais elle se prend moins au sérieux.

Dans la première période 1510-1540, seul Clément Marot (1496-1544) s’impose, car il fait la synthèse des traditions (son père, Jean Marot, est un grand rhétoriqueur), et invente un ton libre et alerte. Homme d’esprit et de cour dès la petite enfance, ouvert, cordial, insolent, Marot a le tempérament d’un inventeur. Il innove avec brio, tout en s’appliquant aux formes traditionnelles (ode, ballade, rondeau). On lui attribue aussi la création, en France, du sonnet. À la cour de François Ier, où le jeune roi et sa sœur Marguerite ne dédaignent pas de rimer, les poèmes qui s’échangent, sans grande originalité, prétendent exprimer des sentiments naturels. La poésie, oubliant les affres de Villon ou de Rutebeuf, devient une distraction mondaine et sentimentale, un passe-temps et un jeu de l’esprit.

Marot comprend très vite ce que l’on attend de lui, et sa poésie va répondre à ce goût mondain. La phrase sera simple, directe et rapide. Le compliment galant se formulera clairement et non dans des détours allégoriques ou mythologiques. On préférera la forme brève et brillante aux longs poèmes interminables et obscurs. Le pédantisme laisse la place à l’esprit, en prenant des exemples chez les Italiens, tel Pétrarque. Par ailleurs, Marot fixe des usages qui survivront jusqu’à nos jours : des strophes (le sizain en octosyllabes, avec la rime AABCCB ; le huitain, divisé en deux quatrains, avec la rime ABABBCBC ; le dizain, en déca ou octosyllabes, avec la rime ABABBCCDCD) et des poèmes (ballade, rondeau, sonnet).

L’œuvre de Marot se déploie dans quatre directions :

• des pièces lyriques, où le poète exprime ses sentiments. Marot a le sens de la confidence, du détail vrai et touchant. Cette sensibilité naïve s’épanouit dans ses « églogues », où il conte son enfance, et dans des épigrammes amoureuses ;

• des pages satiriques, car Marot est un frondeur, favorable à la Réforme, poursuivi pour divers « péchés mortels » (comme avoir traduit des textes sacrés ou oublié de jeûner en carême). Son éditeur, Étienne Dolet, sera brûlé pour hérésie en 1546. Dans son long poème « L’Enfer » (1526), Marot se livre à une violente critique de la justice de son temps ;

• des courtisaneries, car Marot ne survit que des faveurs du prince, François Ier, ou de sa sœur Marguerite. Il lui faut plaire et quémander. Dans ces textes, l’humour domine, pour s’avérer efficace : avec son « Épître au roi », pour avoir été dérobé (1532), Marot amusa assez le roi pour qu’il lui accorde cent écus d’or ;

• enfin, Marot fut un vulgarisateur. Il traduisit les Psaumes bibliques, malgré la condamnation du tribunal ecclésiastique de la Sorbonne qui trouvait impie de mettre les textes sacrés à la disposition du public. Son exil en Italie...

Le XVIIe siècle

L’instabilité baroque*, image du temps

Dans la période qui va de l’assassinat d’Henri IV (1610) à la reprise en main du pouvoir par Richelieu (vers 1640), la France traverse des conflits internes, alors qu’elle sort à peine des guerres de Religion. Les familles féodales affichent des prétentions dissidentes face au pouvoir royal. Après la soumission de La Rochelle (1627), Richelieu s’emploie à restaurer un État fort et actif. Mais la tendance anarchique, frondeuse et imaginative, ne s’éteint pas. Après 1643, la régente Anne d’Autriche s’appuie sur Mazarin. Une fois passé l’euphorie des premiers mois d’une régence libérale, tous les opposants se coalisent : la vieille noblesse, qui espère sauvegarder ses prérogatives ; la bourgeoisie, qui veut défendre ses droits ; les parlements locaux ; le petit peuple affamé. On dresse des barricades à Paris (26 août 1648). La Fronde va aboutir à une véritable guerre civile, jusqu’en 1652, tandis que les conflits extérieurs, avec l’Espagne, dans les Flandres, s’amplifient.

Cette toile de fond aide à comprendre le baroque, qui valorise mutation, inconstance, trompe-l’œil et mouvement. Pour contrecarrer les valeurs du protestantisme, la Contre-Réforme catholique crée des lieux capables d’impressionner les sens et l’affectivité, d’où le goût du monumental, de l’exhibition, de la richesse décorative. La sensibilité baroque joue des antithèses et des images contrastée. Dans les arts, notamment la peinture (Rubens), cette sensibilité se manifeste par des perspectives tournantes, et une composition foisonnante. Les formes littéraires qui se développent sont liées à ce goût. En poésie, les auteurs privilégient les thèmes fantastiques : les déchirements de la nature humaine et l’attente de Dieu (d’Aubigné, Jean-Baptiste Chassignet, Jean de La Ceppède) ou les forces de l’illusion, du masque, de l’éphémère, de la magie (Pierre de Marbeuf, Étienne Durand, Nicolas Vauquelin des Yvetaux, Jean de Lingendes, Pierre Motin, Marc-Antoine de Saint-Amant,...

Le XVIIIe siècle

Raison et émotion

Avec les Lumières, la littérature devient raisonneuse et philosophique, tandis que la poésie se confine dans des jeux de salon ou dans des formes légères. Mais ce rationalisme n’est qu’une apparence. Il est bousculé sans cesse par des contre-courants qui valorisent la sensation et le sentiment. Diderot, au moment de l’Encyclopédie, exige qu’une œuvre d’art sache « émouvoir avant tout ». Cette tendance se confirme pendant toute la seconde partie du siècle, comme le prouve le succès de La Nouvelle Héloïse, le roman sentimental de Jean-Jacques Rousseau, le plus grand tirage de l’époque. Le mythe du « bon sauvage », le retour à la nature, l’exotisme et la littérature utopique développent ensemble une...

Le XIXe siècle

Un retour en force

Entre 1820 et 1850, la poésie connaît une période faste et féconde. Les publications se succèdent, avec des tirages importants. Les grands maîtres de la poésie sont des hommes connus, adulés, engagés dans la vie publique. Cette explosion est liée au sentiment général selon lequel l’Histoire s’accélère : la génération de Chateaubriand et Napoléon, qui avait une vingtaine d’années en 1789 et qui s’achèvera vers 1850, aura tout traversé. Face aux changements, le « moi » s’analyse et cherche un ancrage. La poésie, épanchement du cœur et bercement de l’âme, exprime à la fois le désarroi et la consolation.

Cette poésie repose moins sur l’originalité de la forme (malgré des réussites mélodiques et un souci de musicalité) que sur ses thèmes. Car la poésie se fixe une grande ambition : dire tous les états d’âme d’une conscience saisie par le vertige du temps. D’où le recours systématique au « Je ». Sujet et destinataire du poème, le poète s’exprime et se libère. Délaissant la spéculation ou les théories esthétiques, il ne se réclame que de la sincérité, de l’émotion vécue. Mais le langage a du mal à transcrire une telle subjectivité. Le poète doit donc nourrir son inspiration d’images mystérieuses, de rêves, d’impressions. L’intimité n’empêche pas le libre vagabondage de l’imagination et une stylisation emphatique.

Cette poésie du moi peut devenir introspective et se complaire dans les fantasmes, les angoisses, les « chimères ». Mais, pour les grands romantiques, parler de soi, c’est encore parler du monde. Dans notre intimité retentit l’écho de tout ce qui est humain. Ainsi glisse-t-on vers une poésie qui s’affirme militante, exprimant la souffrance de tous et la conscience des hommes. Le poète se fait missionnaire et guide. En approfondissant la vérité sensible d’un être, la poésie dévoile la conscience historique partagée. C’est en prolongeant cette idée de l’unité mystérieuse du Moi et du Monde que Baudelaire (à travers le thème des « correspondances ») et les symbolistes verront la poésie comme révélation du sens caché des choses.

La mélopée lamartinienne

Alphonse de Lamartine fait partie de cette jeunesse aristocratique née avec la Révolution (1790-1869), déchue, et condamnée à l’inaction sous l’Empire. Cette oisiveté crée des êtres blasés, presque dépressifs face à une destinée sans gloire. La Restauration ramène l’espoir. C’est à cette époque que Lamartine s’éprend d’une jeune femme (son « Elvire ») qui mourra deux ans après leur rencontre au lac du Bourget (tel est le sujet du poème « Le Lac »). Engagé dans une carrière diplomatique, député, ministre, Lamartine dirige le gouvernement provisoire de 1848. Son échec aux présidentielles, face au prince Napoléon, le renvoie à l’amertume de son adolescence. Endetté, il se transforme en « galérien des lettres » et écrit des œuvres de circonstance.

Les Méditations poétiques (1820) reçoivent un accueil enthousiaste et annoncent le renouveau de la poésie française. Lamartine se délecte des thèmes de l’intimité perdue : grotte, forêt, barque, « vallon » forment des espaces clos, maternels, affranchis momentanément du temps. Mais le prestige de la poésie lamartinienne tient surtout à son effet incantatoire : « J’étais comme le musicien qui a trouvé un motif et qui se le chante tout bas. » Le « chant » de Lamartine a été loué unanimement. Il est vrai qu’il permettait à ces poèmes, où s’opérait la synthèse de tous les goûts du moment, d’être aisément mémorisés. Le lyrisme de Lamartine transformait en mélodies les lieux communs du mal de vivre, de l’homme emporté sur l’océan des âges.

Encouragé par les nombreuses rééditions des Méditations, Lamartine a accentué la tonalité religieuse et mystique de sa poésie avec les Harmonies poétiques (1830). Les thèmes principaux y sont les merveilles de la Création, le mystère de l’homme dans l’infini des temps, la Providence, l’au-delà. De même, Jocelyn (1836) forme une gigantesque épopée de 10 000 vers animée d’un souffle mystique. Il s’agit de l’histoire d’un jeune prêtre qui lutte pour sa foi et meurt en odeur de sainteté, ayant su renoncer aux amours humaines (pour une Laurence) et se consacrer au bien de l’humanité. Jocelyn fit penser au poète lui-même, qui allait se lancer dans un autre sacerdoce, politique celui-là. Car, comme tous les grands auteurs romantiques, Lamartine ne fut pas un doux rêveur, mais un homme d’action dont la vraie passion fut politique.

Alphonse de Lamartine

« Ainsi, poussés vers de nouveaux rivages […] Un soir, t’en souvient-il, nous voguions en silence […] Ô temps, suspends ton vol… »

« Mon cœur, lassé de tout, même de l’espérance… »

« Salut, bois couronnés d’un reste de verdure… »

Le bazar romantique

Ce que l’on appelle le romantisme* est d’abord un carrefour de personnalités disparates qui se sont, par la suite, séparées ou opposées. Comme toujours, le mouvement s’est cristallisé autour d’un refus, celui des contraintes classiques, des règles académiques établies. Il a tâché ensuite de se donner une doctrine et une cohérence. Les premiers textes théoriques furent publiés dans un périodique, La Muse française, dirigé par Émile Deschamps, à partir de 1823. Hugo et Vigny y donnent leurs premiers poèmes. On y loue Byron ou Shakespeare. Mais c’est l’érudit Charles Nodier (1780-1844), bibliothécaire de l’Arsenal, qui crée un véritable cercle autour de lui : écrivains, musiciens, plasticiens se rencontrent et débattent. Nodier, très influencé par la culture allemande (comme Mme de Staël), a lui-même écrit des contes fantastiques, comme Smarra (1818), Trilby (1822) et La Fée aux miettes (1830).

C’est le journal Le Globe qui va permettre de mettre en forme les idées nouvelles jaillies à l’Arsenal, toutes dominées par la recherche d’une liberté en matière de goût et le désir de renouveau (« le beau, c’est le laid », affirme même Victor Hugo). Ces principes sont résumés par Hugo dans la préface de sa pièce Cromwell. Il réunit alors, avec son ami Sainte-Beuve,...

Le XXe siècle

Fin de comète

La Belle Époque, entre 1895 et 1914, reste très marquée par le maniérisme des symbolistes. Passage obligé, les jeunes écrivains bourgeois s’engagent dans la carrière littéraire en commençant par publier de la poésie. André Gide, Jules Romains, Georges Duhamel, François Mauriac se font d’abord connaître comme versificateurs. Quoique réputée genre mondain, la poésie continue donc de jouir d’un grand prestige. Les revues spécialisées sont nombreuses (L’Occident, La Renaissance latine, Les Marges, Vers et Prose, La Phalange, Le Divan), sans compter la NRF à partir de 1909. Conférences et proclamations se multiplient, à commencer par un Congrès des poètes (1901). De cette nébuleuse sortiront bientôt des personnalités exceptionnelles, comme Valéry, Apollinaire ou Claudel. De même, cette vogue, agitée et imaginative, prépare les revendications de l’Esprit nouveau ou même du surréalisme.

Mais c’est une impression de déclin qui émane de ces succédanés du symbolisme. Les écoles sont éphémères, instables et floues, les auteurs évoluant eux-mêmes assez vite. Ils passent du vernis parnassien au vers libre ou incongru, du raffinement décadent aux engagements humanistes. Cette confusion est liée aux événements d’où naîtra la Grande Guerre. L’Histoire commande. Des poètes comme Stuart Merrill (1863-1915) ou Henri de Régnier (1864-1936) semblent hésiter entre des langueurs « fin de siècle » et un désir de dire le monde moderne, insolite et attirant. Le symbolisme se prolonge surtout avec des femmes-poétesses. La plus célèbre est Anna de Noailles (1876-1933), passionnée et sensuelle. Ce lyrisme féminin est aussi celui de Gérard d’Houville (fille de José-Maria de Heredia) ou de Renée Vivien (pseudonyme de Pauline-Mary Tarn, 1877-1909), amie de Colette, lesbienne avouée, poète raffiné.

Cette survivance du symbolisme permet aussi de nouvelles formes d’écriture. C’est le cas de Pierre-Paul Roux, dit Saint-Pol-Roux (1861-1940). Marginal, déconcertant, aimant le mystère, il vit retiré dans un manoir breton, à Camaret. Sa poésie, fantastique, joue sur un mélange d’images brutales et baroques. Car ce poète-mage se réclame d’une mission, qu’il nomme « idéoréalisme » : le langage s’emploie à éliminer les clichés et les métaphores connues, voulant avant tout paraître surprenant ou inattendu. Cette opération annonce le surréalisme, qui rendra hommage à Saint-Pol-Roux. La vie fantasque de ce prophète s’achève dans l’horreur : les nazis pillent son château, violent sa fille, assassinent sa servante. Ce rêveur-martyr ne s’en relèvera pas. La « hideuse réalité » l’avait rattrapé.

Stuart Merrill

« Tu vins vers moi par les vallées / Où s’effeuillaient les azalées… »

Henri de Régnier

« Je n’emporte avec moi sur la mer sans retour… »

Anna de Noailles

« Déjà la vie ardente incline vers le soir… »

Les petits maîtres dits « fantaisistes »

Dans ces mouvances déstructurées, en attendant des chefs de file (que seront Valéry ou Breton), les « petits maîtres » s’abandonnent à une inspiration très libre. Ils affectent un mépris des règles et des doctrines, valorisant le caprice et l’humour – même s’ils sont souvent le masque de quelque détresse. Ces poètes s’attribuent le nom de « fantaisistes ». Ils font le lien entre un Laforgue et un Cocteau ou un Max Jacob. Leur plus brillant représentant est Paul-Jean Toulet (1867-1920). Après de longs séjours à l’île Maurice et en Algérie, Paul-Jean Toulet devient journaliste à Paris, de 1898 à 1912. Esprit caustique et impertinent, il rédige, sans d’abord les publier, des poèmes d’allure désinvolte. Visant la concision et l’ellipse, ses Contrerimes saisissent un instantané. Loin de l’emphase bavarde des symbolistes, ces « contrerimes » constituent une jonglerie verbale, douce-amère, minutieuse.

L’humour est poussé plus loin chez les compagnons de Toulet. Georges Fourest (1867-1945) tombe dans le saugrenu en parodiant des modèles littéraires et en mélangeant des registres de langue, notamment dans La Négresse blonde (1909). Jean Pellerin (1885-1921) cultive aussi le pastiche et l’ironie (à la manière de Corbière), avec Le Bouquet inutile (1923). Citons aussi Tristan Derême et Jean-Marc Bernard. Les fantaisistes résument leur idéal dans un manifeste signé de Francis Carco (1886-1958) qui préconise un retour aux simples choses de la vie. C’est aussi le vœu des « naturistes ». Admirateurs des Ballades françaises de Paul Fort (1872-1960), qui sera élu prince des poètes en 1912, les naturistes revendiquent une poésie du terroir et du patrimoine français.

Ce « naturisme » est surtout représenté par Francis Jammes (1868-1938), qui évoque des rapports enfantins avec la nature dans ses principaux recueils : De l’Angélus de l’aube à l’Angélus du soir, Le Deuil des primevères, Clairières dans le ciel. Image d’Épinal, le poème est un dessin primitif, un calque ingénu. Attaché à son Béarn natal, Francis Jammes chante la joie d’accepter les plus humbles formes de la vie. Chrétien, il voit la foi comme une adhésion généreuse et dépouillée à la création. Cette poésie de louange fit rapidement école. Le « jammisme » peut paraître innocent et naïf. En réalité, il cherche les mots qui saisissent la force touchante des éléments primordiaux (pain, eau, fruit, objets domestiques). Il annonce les patientes « fabriques » de Ponge.

Paul-Jean Toulet

« Dans Arles, où sont les Aliscams… »

Francis Carco

« Il pleut – c’est merveilleux. Je t’aime. / Nous resterons à la maison »

Paul Fort

« Le petit cheval dans...

Les vingt dernières années

La source ne tarit pas

La vitalité de la poésie, même si le grand public n’en a plus guère conscience, ne s’éteint pas. On cherchera en vain de grandes figures qui, sur le modèle de Victor Hugo ou d’Aragon, en imposeraient encore à la société tout entière. Il est malaisé d’identifier un poète populaire, sauf à se tourner vers des chanteurs « à texte » dont les productions se retrouvent jusque dans les manuels scolaires, ou dans le folk song, le rap, le slam ou encore le punk. Le sacre du poète ne se fonde plus sur une mission de « rêveur sacré » donnant voix à la nation, d’autant que l’écrivain moderne transcende sa nationalité. La littérature aussi est mondialisée. La reconnaissance d’un auteur s’élabore désormais par les canaux universitaires ou par des institutions savantes, à travers des articles et des colloques.

Mais, sur un mode mineur et discret, la production reste fructueuse, diverse et abondante. Un site comme Poezibao (http://poezibao.typepad.com), journal permanent créé par Florence Trocmé, donne une idée, quotidiennement, de cette créativité. On peut aussi se reporter au site http://repertoiredepoesie.free.fr, qui recense les principales sources. On se penche sur la poésie (colloques, biennales, « États généraux de la poésie », « Printemps des poètes »), sans doute parce qu’elle est la forme la plus fragile et la plus achevée de la littérature. On aurait pourtant tort de l’observer comme un îlot éloigné du reste de la production littéraire. Elle en reflète les tendances globales dites « postmodernes », notamment le retour au sujet ou l’autofiction. Les poètes dont les...

Quelques exemples de pistes thématiques

Vous trouverez d’autres propositions de classement par thèmes sur divers sites, tels que :

www.toutelapoesie.com
www.poetica.fr
www.poeme-france.com

et dans :

Max-Paul Fouchet, Anthologie thématique de la poésie française, Seghers, 1963.

L’enfance

Pierre de Ronsard

« Marie, levez-vous, ma jeune paresseuse… » (sonnet XIX, Amours de Marie)

Victor Hugo

« Mes deux frères et moi, nous étions tout enfants… » (« Aux Feuillantines », Les Contemplations)

« Elle avait pris ce pli dans son âge enfantin… » (Les Contemplations)

« Lorsque l’enfant paraît, le cercle de famille… » (Les Feuilles d’automne)

Gérard de Nerval

« Qu’ils étaient doux ces jours de mon enfance… » (« L’enfance »)

Charles Baudelaire

« Dis-moi, ton cœur parfois s’envole-t-il, Agathe… » (« Moesta et errabunda », Les Fleurs du mal)

Arthur Rimbaud

« On n’est pas sérieux quand on a dix-sept ans… » (« Roman »)

« Oisive jeunesse à tout asservie, Par délicatesse j’ai perdu ma vie… »

(« Chanson de la plus haute tour », Illuminations)

Francis Jammes

« La jeune fille est blanche / elle a des veines vertes… » (« La jeune fille »)

Jacques Prévert

« Il dit non...

Glossaire des notions

A

Acrostiche

Suite de vers dont les premières lettres forment un mot ou une expression lisible verticalement.

Alexandrin

Vers de douze syllabes.

Allégorie

Image, tableau ou récit qui personnifie une abstraction.

Allitération

Répétition d’une même consonne et de plusieurs consommes semblables.

Anacoluthe

Rupture volontaire de l’unité syntaxique (« l’homme sait qu’il meurt et l’avantage que l’univers a sur lui », Pascal).

Analogie

Ressemblance partielle mais éclairante entre deux choses.

Anaphore

Figure de style qui consiste à commencer des vers ou des phrases par les mêmes mots.

Antinomie

Contradiction entre deux termes, deux idées, deux principes.

Antiphrase

Exprimer une idée par son contraire (« Bravo, c’est du joli ! »).

Antithèse

Rapprochement de deux pensées ou deux expressions qui font contraste ou s’opposent.

Antonomase

Nom propre transformé en nom commun (« une poubelle », « un hercule »).

Aphorisme

Pensée ramassée dans un énoncé bref, frappant et singulier.

Apologie

Discours visant à défendre et à louer une personne ou une idée.

Apophonie

Variation vocalique expressive (exemple : « Il pleure dans mon cœur comme il pleut »).

Art nouveau

Mouvement artistique (1890-1915) qui magnifie l’esthétique des lignes courbes.

Art pour art

Théorie selon laquelle l’art ne vise qu’à la beauté formelle, indépendamment de toute autre utilité...

Index des noms propres

A

Allais, Alphonse 84-85

Apollinaire Guillaume 5, 12, 87, 92-95, 99-100, 103, 138-140, 146, 148, 150-152

Aquitaine Guillaume d’ 6, 18-19

Aragon Louis 101-105, 113, 155

Arcos René 12, 90

Artaud Antonin 101

Arvers Alexis-Félix 62, 147

Aubigné Théodore Agrippa d’ 7, 40-42, 45-46, 109, 139, 144

B

Bachelard Gaston 152

Baïf Jean-Antoine de 7, 35, 40

Bancquart Marie-Claire 14, 116

Banville Théodore de 11, 72-73

Barbey d’Aurevilly Jules 65

Bastard Joël 116

Baudelaire Charles 5, 11...